O filme mais sentimental de Quentin Tarantino, “Once Upon A Time in Hollywood" é uma carta de amor para Hollywood. O diretor mostra sua paixão pelo cinema, em toda sua variedade de clássicos, flertando com tudo, desde filme de exploração de arte a artes marciais, faroestes e aventuras da segunda guerra mundial.
O cinema é uma amante que muitas vezes é inconstante. E Tarantino é um homem que claramente aprecia o conceito de vingança. “Once Upon A Time in Hollywood", é um filme que é tanto sobre a indústria cinematográfica como sobre os crimes da família Manson, é uma obra de paixão, certamente. Mas se é uma carta de amor, é o tipo de tingimento com a angústia e a pontada de amargura que vem de saber que o objeto de afeição está quase certamente olhando para um novo favorito.
Para obter sucesso em Hollywood é preciso ter uma dedicação embutida. É uma indústria com um apetite vampírico por sangue fresco. Dito isto, O ator Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) sabe disso, mas não o torna mais fácil de engolir. Marcado por ser o protagonista de uma serie de TV sobre um vigilante do oeste selvagem, Rick quer mergulhar em novos mares, e é convidado para participar de novos shows, ele deixa ser vencido em cada capítulo pelos atores posicionados como substitutos. Com olhos úmidos e pena de si mesmo, depois que um produtor fala de maneira direta que vai traçar um roteiro para sua irrelevância, Rick se esconde atrás dos óculos de sol de seu confidente e ex- dublê, Cliff Booth (Brad Pitt). Sua amizade é uma constante em um mundo de incertezas. Seus destinos estão ligados: “Mais do que um amigo, menos que uma esposa”, é como a narração do filme o coloca.
Esse medo de não permanecer na atualidade, não receber mais ligações é algo crucial a todos que trabalham na indústria do cinema em algum grau. E você suspeita que o próprio Tarantino não está imune a isso. Uma cena em que uma criança sussurra para Rick: "Essa foi a melhor atuação que eu já vi" é ordenhada por lágrimas viris. Enquanto isso, os jovens com uma abordagem menos reverente aos mais velhos são tratados com rapidez e eficiência, com o tipo de design sonoro que enfatiza o aperto do punho justo em mandíbulas hippies insignificantes e sorridentes.
O filme é ambientando no ano de 1969 em uma Hollywood que está incrivelmente evocada. Mas também pode ser representada no presente, que desequilibrou dramaticamente nos últimos dois anos, em que o equilíbrio do poder começou a mudar. E uma indústria que começou a se responsabilizar. Com isso em mente, a decisão de Tarantino de arquitetar o apoio da plateia e simpatia por um personagem cuja carreira parou por causa de alegações de violência contra uma mulher parece uma provocação deliberada ao movimento #MeToo.
Por pura força de charme, Margot Robbie investe em Sharon Tate, com mais profundidade e sutileza do que o ideal dourado e angelical que é esboçado no poster. Com três notáveis exceções - Dakota Fanning de (Squeky Frommer), Margaret Qualley (Pussycat) e a jovem atriz infantil de Julia Butters, entregaram performances surpreendentes.
Juntamente com um final perturbador que, a pedido do diretor, não pode ser discutido, torna as indulgências menos fáceis de perdoar. E há algumas indulgências: a primeira hora folgada; o flashback de duas camadas, difícil de controlar, que define o passado de Cliff; ou a cena chocante com Damian Lewis como uma versão de poliéster de Steve McQueen.
Mas, igualmente, há muito aqui que representa um cineasta no topo de seu jogo. O prazer que ele tem nos detalhes que ancoram a história no tempo e no espaço: quem mais além de Tarantino incluiria montagens inteiras dedicadas a fontes “vintages”? As escolhas musicais são de tirar o coração (uma de suas maiores marcas), o “camerawork” ágil e o calor nostálgico da cinematografia de Robert Richardson; cada último quadro suculento no esconderijo da família Manson no “Spahn Movie Ranch”. É um filme que só poderia ter sido feito por um homem. O medo de substituição de Tarantino, o subtexto de algumas das passagens mais irregulares do filme, é, no momento, infundado.